KAGEMUSHA

La escena de esta película que ha llamado más mi atención es la escena del sueño. La escena empieza con la rotura en cámara lenta de un tremendo jarrón de donde sale Shingen. La cámara se acerca poco a poco a su rostro para darnos a entender que es el Shingen muerto. La cámara se queda estática mientras el personaje en cuestión avanza, generando una sensación de que vendrá a por ti y eso se siente también por parte del espectador. Además se puede escuchar un sonido, no sé como denominarlo, tal vez astral, un sonido que te hace sentir que estas en otra dimensión.  Luego la cámara enfoca por detrás a Shingen y retrocede para mostrar la huida de Kagemusha. Esto me pareció interesante ya que la cámara se aleja como una forma de seguimiento al personaje. Luego se puede ver la artística escenografía. En la mayoría de películas se hace uso de humo y una iluminación azul para representar los sueños. Sin embargo en esta película se utilizó un fondo artístico muy colorido. que en realidad parecía una pintura, hasta incluso se asemeja a una animación. Del mismo modo, se resaltan los colores azul y rojo en las olas bien estilizadas de lo que parece ser arena. En otras escenas de la película también podemos ver esa preferencia por los colores azul y rojo. Algo particular también es el sonido de viento, a pesar que en la escena no hay indicios de la presencia de viento.  Luego, Cuando Shingen desaparece,  se aprecia que la cámara se mueve a la izquierda y regresa a la derecha y de nuevo se va a la izquierda. Lo interesante de este movimiento es que no se ve perfecto, se notan ligeros movimientos lo que sugiere que es una persona caminando quien lleva la cámara y no se encuentra puesta en ningún soporte que le brinde estabilidad. Esto le confiere realismo al movimiento. Cuando Kagemusha se arrodilla en la arena, la música ya no suena tan fuerte como en un inicio, esto puede indicar la rendición del protagonista. Al final Kagemusha decide entrar al pequeño lago, y el sonido se intensifica, esta vez como las olas del mar, lo que es de nuevo interesante ya que no hay olas en realidad, sino que con ese sonido se trata de dar énfasis a las pisadas del protagonista en ese pequeño charco. Luego el sonido se intensifica mucho más y ahora solo se captan los pies del personaje pateando el agua en cámara lenta. Se pueden notar varios cortes en esta parte, tal vez  para generar más dramatismo en las patadas, lo cual podría simbolizar la guerra que está por venir. 

EL NOMBRE DE LA ROSA

La secuencia que ha llamado mi atención en esta película es la final. Empieza cuando Adso observa todas esas edificaciones quemadas y luego estas pasan a ser el fondo de la caminata de los burros, dando a entender que ya perdieron su importancia, por eso se enfoca en primer plano el pasar de los burros y en segundo plano las edificaciones quemadas. Luego se muestra un plano de la abadía quemada para luego bajar la cámara y enfocar a la rama de un árbol, y desde atrás de esta se puede ver al maestro junto con Adso saliendo de la ciudad. Además, cuando los protagonistas se acercan más a la cámara, la melodía de la música, que antes tenía una sensación de desgracia y tristeza, ahora cambia hacia un tono más tranquilo y pacífico. Todos estos detalles unidos dan a entender que al fin el caos de la abadía se encuentra tras ellos y estos pueden seguir su camino. Luego se muestra la silueta de una persona, pero no se ve claramente quien es, la cámara se acerca poco a poco hacia la persona, pero también enfoca a Adso, dando a entender que la silueta es de la chica con la cual tuvo una aventura. Después, en una hermosa fotografía se ve la silueta del maestro, el maestro entre los arbustos y una espesa niebla, dando a entender que su trabajo ya está hecho y que ahora Adso puede quedarse con la muchacha. Esta escena, donde los dos enamorados se miran sin decir nada, me ha resultado muy buena, ya que no se ha necesitado ninguna palabra para expresar sus sentimientos, solo la buena actuación de ambos dijo todo. Luego se ve el caballo del maestro partir, como señal de despedida, pero siempre de espalda y entre el espeso humo e iluminación azul. Sin embargo, Adso decide seguir a su maestro, perdiéndose entre la espesa y azul niebla. Esta niebla e iluminación azul representarían el frío adiós de los amantes. A la vez la cámara se aleja lentamente de la chica y todo se llena de niebla otra vez, dando a entender que ya no se volverán a ver nunca más. Por último, se escucha la voz de Adso, mientras se ve un magnifico paisaje de hielo y a nuestros protagonistas dirigiéndose a su destino. Las últimas lineas de la voz en off son muy importantes, ya que hasta el final de la película no sabemos porque el título es "El nombre de la Rosa", sin embargo, en esa parte nos da a entender que Adso nunca conoció el nombre de su amor terrenal, entonces el título de la película giraba en torno a la chica. El nombre de aquella muchacha, que para él simbolizaba una rosa. 

BLADE RUNNER

La secuencia que más logró llamar mi atención de está película es cuando Deckard llega al departamento de Sebastian. Primero, la entrada. No se enfoca directamente a Deckard entrando, si no se hace desde el piso de arriba, lo que me da a entender que Deckard no sabe del grande problema en el que se está metiendo. Además por la música de fondo, pareciera que el protagonista se dirige hacia su muerte. Hay que destacar que no hay mucha iluminación en la escena, solo las distintas luces de indistinta procedencia, el sonido de lluvia y el humo, toda esta combinación de elementos brinda una escencia futurista a la escena.  Luego entra al cuarto, en este espacio la iluminación cambia a una tonalidad rosa. En este cuarto hay puros juguetes, entonces la luz rosa brinda un poco de confianza para que el protagonista entre al cuarto, sin embargo, una replicante se esconde entre ellos lista para atacar. Cuando esta ataca a Deckard, otra vez se ven las luces como si estas estuvieran especialmente ahí para alumbrar ciertas cosas que son necesarias. Por ejemplo cuando Deckard dispara a la replicante y ella se retuerce en el piso, si no fuera por estas luces, no podríamos ver bien que le pasa, ya que cae en un lugar no iluminado. Luego cuando Deckard le da el último disparo, se ve en cámara lenta como la replicante recibe el disparo; esto como para enfatizar que el fin de estos humanos artificiales ha llegado. Después de esto, de nuevo se regresa al gran contrapicado del edificio con las luces (luces que siempre se encuentran en movimiento por cierto), esto nos quiere decir que aún no se ha acabado y que el peligro aún acecha. Luego en la escena del beso, también se puede ver el uso de estas luces móviles para iluminar la lengua de la chica. Hay tomas que enfatizan más el ambiente que al personaje en sí, por ejemplo cuando Deckard dispara al cuarto, se puede ver la pared en diagonal con el reflejo de ciertas luces y al fondo, la luz entrecortada que entra por la ventana y el humo. Lo mismo pasa cuando luego enfocan las tuberías y el humo de nuevo. Es como si la atmósfera del lugar también fuera un personaje al cual es necesario enfocar, ya que da esa sensación de estar viviendo en un mundo caótico y futurista. Por último para terminar la secuencia, se pueden ver las gotas de agua que caen lentamente por la pared,  estas simbolizan el miedo de Deckard, como si esas gotas de agua fueran el sudor que pasa por su frente, además por el plano detalle de la pistola y por la lentitud, se da a entender que algo nos asustará en cualquier momento. 

SIN PERDÓN

La secuencia que logró llamar mi atención, fue la secuencia del bar. Primero, el sonido de la lluvia y de los truenos junto con el lento enfoque que se le hace al letrero del ataúd, me da la sensación de estar en una película de terror, da escalofríos. En esta parte el movimiento de la cámara es muy lento, esto debe ser para que se logre leer con tiempo el mensaje y le brinda más suspenso a lo que pasará después. Otra cosa interesante, es que mientras sucede lo  mencionado anteriormente, se escucha una voz hablando, pero no se escucha como si la voz estuviera fuera, si no como si alguien estuviera hablando desde un interior. Esto me da a entender que la referencia del ataúd está probablemente dirigida al dueño de la voz, como avisándonos que algo le pasará al dueño de la voz dentro de un rato. Luego viene el corte y se cambia de escena al interior del bar. Como algunas otras escenas de la película, esta también se caracteriza por su oscuridad, casi apenas se notan los rostros y debido a ello es difícil notar ciertas expresiones, supongo que el recurso fue utilizado para brindarle un poco más de realismo a la película, en la vida real no siempre todo está iluminado a la perfección. Luego, justo en el momento que se levanta un rifle, suena un trueno, que coincidencia. Luego, al escucharse el sonido del gatillo, todo se pone en silencio. Es como si la muerte que se nos insinuó antes de entrar al bar al fin llegó a cobrar víctimas.  Luego se muestra a Munny levantando el rifle, claro debido a la oscuridad de la toma no se lo puede ver bien y eso hace que espante más todavía, me recuerda mucho a películas de terror. Pero a pesar de su figura tenebrosa, la parte irónica del personaje también sale a flote cuando después de matar al tabernero enuncia las palabras: pues debió haberse armado si iba a decorar el salón con mi amigo. Esa parte causa gracia. Otra cosa que me causa gracia, es que después de que se le acabaran las balas al rifle de Munny, este saca su pistola, y la mayoría que estaba en el lugar también, pero nadie logra dispararle, en cambio Munny si disparó a todos; y eso que se encontraba en desventaja debido a la cantidad de armados en el lugar. Luego, cuando todos los armados ya están muertos, se muestra a Munny en un contrapicado, esto para dar a entender que el ha salido victorioso y que está imponiendo su autoridad para que todos salgan del lugar. Y ya al final de la secuencia, así como al principio, se escucha el sonido de la lluvia y la tormenta y Munny se acerca a servirse un trago, sin embargo se da cuenta que el viejo sheriff intenta disparar, pero este se lo impide y se lo ve en un contrapicado, otra vez dando a entender que el es superior a pesar de haber cometido todos los pecados esa noche y que está dispuesto a pagar por ellos en el infierno.  

RÍO BRAVO

La primera escena de la película, definitivamente es la que logró captar mi atención. Se puede ver a un Dude inseguro entrando a la cantina, con un vestuario diferente al del resto, lo que sugiere que no pertenece a la misma clase social del resto de clientes. La forma que tiene Dude de mirar el alcohol, nos hace pensar, sin la necesidad de haber visto toda la película que se muere por un trago. Una cosa que me pareció interesante, fue el sonido que apareció en el momento exacto de tirar la moneda, todo perfectamente sincronizado. Luego en el instante que Dude procede a recoger la moneda, se ve a Chance en un contrapicado, con una mirada de decepción. Este contrapicado sumado al gesto de Chance, da la sensación de que Dude ha caído bajo por dejar humillarse. De nuevo, cuando Dude golpea a  Chance, otro sonido sincronizado aparece y así con todos los demás golpes que se dan en la escena. Y no solo en golpes, también en movimientos de manos o en los disparos. Además en toda la escena no hay diálogos, solo miradas, risas, gestos y la música y sonidos de fondo. Estos detalles, la inclusión de la música, los sonidos sincronizados con los movimientos y la ausencia de diálogos, me hace acordar a las películas mudas, como por ejemplo El acorazado Potemkin. En esas películas era la música la que acompañaba las acciones que ocurrían en la película, lo mismo sucede en esta primera escena. Se me hizo un hecho muy curioso, el añadir detalles que se usaban en el cine de antes, como una forma de revalorar la técnica usada en aquel entonces. A parte, esta escena, como ya dije nos proporciona una pequeña información de los personajes aunque no hayamos visto la película. La forma como entra Dude y decide humillarse por una moneda, nos da a entender que es un miserable, luego por la forma en como Burdette lanza la moneda y sus miradas, nos da a entender que es un ser despreciable y por último, Chance, al salvar a Dude de humillarse a si mismo, nos muestra que estos dos personajes se conocen, debido la mirada de decepción que hace Chance. Por esas razones esta escena me ha parecido muy interesante, el presentar a los personajes solo por sus gestos o miradas, la ausencia de diálogos y los sonidos sincronizados que nos hacen acordar al cine mudo y los planos que generalmente centran a los personajes, lo cual hace que la mirada siempre esté en ellos. 

ANNIE HALL

La película Annie Hall, dirigida y protagonizada por el director Woody Allen, es una cinta que rompe con varias reglas de la cinematografía. Sin embargo, una de las escenas que llamó bastante mi atención es la del balcón. En esta escena Annie y Alvy se encuentran conversando en el balcón del departamento de Annie. Mientras se hace el intercambio de diálogos, aparecen en pantalla unos subtítulos, que no necesariamente coinciden con lo que hablan los personajes. Al principio pensé que era un error de edición, ya que al ver la película con subtítulos en español, no sabía cual de los subtítulos seguir, entonces leí aquellos que coincidían con las palabras de los personajes. Sin embargo, al volver a ver la escena con más detenimiento, me di cuenta que se trataba de lo que realmente querían decir los personajes o tal vez, de lo que pensaban al momento de decir las palabras que se pueden escuchar. Cada vez que los personajes intercambiaban una linea, un subtitulo aparecía abajo con lo que la persona quería decir en realidad. Además, la cámara siempre realiza un primer plano a la persona que tiene el turno de hablar, lo cual hace que el espectador se enfoque con más detenimiento en los gestos del actor, los cuales, justamente coinciden con lo que dice el subtítulo. Esto da a pensar que las palabras que salen de la boca del personaje, ciertamente no es lo que realmente quiere decir. En el subtítulo de Alvy "No sé lo que estoy diciendo, ella siente que soy superficial", para tomar un ejemplo, se puede notar lo desesperados o nerviosos que se encuentran los personajes al conversar, ya que no quieren cometer ningún error con su compañero de diálogo. Esta escena nos muestra las inseguridades que normalmente suceden en la vida cotidiana cuando hablamos con alguien quien nos gusta o que queremos llamar su atención. Esta escena me parece muy interesante ya que toma con humor esos pensamientos contradictorios con lo que realmente se dice, cuando dialogas con alguien que intentas atraer. Al mostrar esta diferencia de pensamientos, también, se añade realidad a la historia. Por último, también quiero rescatar de esta escena el vestuario de Annie Hall, ya que lo que trae puesto, como el pantalón suelto, la camisa y el chaleco; no se ve comúnmente que una chica vista así, y me imagino que en la época que se rodó la película, mucho menos. Este detalle nos muestra que la protagonista es alguien con mucha personalidad y estilo propio; lo que hace que uno sienta simpatía por el personaje de Annie. 

Ayer, hoy y mañana

La película ayer, hoy y mañana es una película interesante, ya que se divide en tres historias diferentes, además es muy fácil de ver y seguirle el ritmo, ya que la trama no es tan complicada, se logra entender a la primera la historia. La primera historia fue la que más me gustó, ya que no solo hay la presencia de acciones que la hacen graciosa, sino que en realidad toda la historia resulta graciosa debido a su inusualidad, por ejemplo, el hecho de embarazarse a cada rato para evitar ir a la cárcel. Este hecho es realmente inusual ya que uno normalmente no pensaría en esa opción como solución para no ir preso. Me parecieron graciosas las escenas cuando Adelina sacaba su certificado médico y los policías solo atinaban a reírse, como si se solidarizaran con ella. Del mismo modo la escena cuando van al médico y este piensa que ya no querían tener hijos, pero en realidad era todo lo contrario. Este tipo de unusualidades fueron las que captaron más mi atención. También cuando Adelina sale de la cárcel y todo el pueblo se muestra feliz por ella, esa reacción del pueblo me pareció interesante, es como si Adelina no solo fuera la protagonista de la película, sino también la protagonista en la ciudad. Esta historia es muy graciosa debido a las situación que ya mencioné antes y no tiene nada que envidiar a las comedias actuales. En cuanto a la segunda historia, me pareció un poco más lenta ya que los hechos ocurrieron mientras viajaban en coche. Sin embargo las acciones y palabras de Anna resultaban graciosas. Por ejemplo cuando se malogra el coche y su amante agarra su abrigo para limpiar. En ese momento Anna le quita su abrigo de piel y le da el suyo.
En general me ha parecido una comedia inusual, pero no por eso dejó de tener ese humor, sino todo lo contrario, te deja enganchado. Además, es un placer para los ojos y oídos ver actuar y escuchar la voz de Sophia Loren, excelente actriz.